Roberto Borbón
BALLET DE TEATRO NACIONAL DE ESLOVENIA MARIBOR
STABAT MATER DE PERGOLESI Y LA CONSAGRACION DE LA PRIMAVERA DE STRAVINSKI
Excelente espectáculo compuesto por 2 actos ambos dirigidos por el coreógrafo Edward Clug. El primero Stabat Mater, de Giovanni Pergolesi donde sus bailarines vestidos con trajes negros y sus bailarinas con un vestido corto y ligero al cuerpo de color beige, la escenografía dos columnas horizontales de madera color blanco como escenografía, que los bailarines al mismo tiempo deslizaban para colocarlas en diferentes perspectivas y así usarlas como bancas, pasarela, como ataúd, y hasta como un mástil utilizado para crucificar, donde el tema era la vida. Lo que se puede apreciar en esta primera parte es a estos dos seres hombre y mujer, quienes se encuentran, conocen y tienen a un hijo, la manera de escenificar el nacimiento es maravillosa, en esta escena ella tomando posturas de mujer embarazada se coloca en el centro del escenario y uno de los bailarines llega para meterse por debajo del vestido dejando ver la forma de su cara a través del vestido, el cual era transparente, en el área del vientre y como coreografían el parto, pero antes de que este suceda, llega el resto del grupo dancístico que hacen la escena del padre y el resto de los familiares quienes presencian el nacimiento. Una vez nacido el bailarín se acorruca como un bebé en los brazos de su madre, no es necesario decir una sola palabra ya que con tanto control del cuerpo crean ese momento y es fácil de reconocer, en general el montaje esta creado con mucha simbología. Después del nacimiento, quien en realidad es Jesucristo, vienen una serie de secuencias a especie de pasarela donde colocan las bases de madera en el centro del escenario paralelamente por donde las mujeres caminan con sus cabellos cubiertos y con zapatos de tacón color negro, ellas caminan normalmente una vez, después con ayuda de los hombres quienes las sostienen mientras caminan inclinadas y así sucesivamente aparenta una multitud, donde el sonido de los tacones ayudan a auditivamente a sentir multitudes caminando. Después viene la calma, se crean dos grupos el de hombres y de mujeres, se sientan en las pasarelas unas frente otros con movimientos lentos, seguido de esto viene una coreografía donde los hombres agreden a uno de ellos “Jesús” para después de eso con música realmente solemne colocan en forma paralela uno de los bloques de madera dejando uno horizontal al piso y otro vertical donde se coloca uno de ellos sobre el cubo y recargado sobre el que esta vertical, los otros le colocan cinta alrededor de su cuerpo para atarlo al bloque de madera y las mujeres como espectadoras, todo en un tono solemne para al final retirar el cubo sobre el que estaba de pie quedando este colgado, crucificado para acto seguido cortar la cinta y bajarlo de lo que simbolizaba la cruz y así colocarlo dentro del cubo, el cual estaba hueco, simulando un ataúd donde se puede apreciar el cuerpo. Llega una mujer para meterse al ataúd y colocarse el saco que portaba el cuerpo eso sin quitárselo a él, lo que la obliga a cargar con él a sus espaldas realizando una serie de movimientos para después colocarlo de nuevo en el hueco de la base de madera “ataúd”, esta mujer dolida y sufrida ve como cuatro mujeres llegan a prepararlo, cubriendo con su cuerpo el cuerpo del hombre “Jesús” dando la espalda al público, al momento de levantarse solo se puede ver un hueco vacío donde antes estaba el cuerpo, lo que viene a representar la resurrección de Jesús… simplemente es impresionante como manejan esta serie de imágenes donde la música de Giovanni Battista Pergolesi es fundamental para entenderlas. Terminando viene un intermedio para dar paso a la segunda parte, la segunda coreografía La consagración de la primavera.
Se abre telón y se deja ver un escenario vacío lleno de bailarines, quienes visten shorts y top`s color amarillo y con el cuerpo cubierto de maquillaje que con la iluminación dan la ilusión de desnudos en un aspecto rústico, primitivo, inician una danza dándome la imagen de los primeros vestigios de hombres-mujeres primitivos. Lo que me impresiono es el uso del agua como elemento en la coreografía, este baño que vendría a ser como la purificación. Este elemento viene a ayudar a que los movimientos sean mágicos, la música de Igor Stravinsky con esos acentos permite estos movimientos agresivos y animales y al haber agua crea este escenario mágico que al deslizar a las danzantes da la ilusión de aves en un estanque, nunca dejan de estar en movimiento, el contacto entre los bailarines es rudo, tosco, constante, como un grupo de animales. Ver estas dos coreografías por separado no daría una historia totalmente diferente, pero al verlas una seguida de otra es increíble el contraste, ya que en la primera parte denota un aspecto religioso, la purificación atreves de la muerte, un renacer. Y en esta segunda parte, esta lo terrenal, lo salvaje, lo animal, y el uso de un elemento natural como símbolo de purificación para así renacer.
El segundo espectáculo visto en este espacio viene de Estados Unidos
LA COMPAÑÍA ACROBUFFOS con el espectáculo Air play
Espectáculo presentado para niños, y si sin duda aun siendo adulto logra sacar ese niño que llevamos dentro, es completamente mágico, presentado por dos personajes hombre y mujer quienes vestidos cada uno de un color, rojo y amarillo, nos presentan la historia de dos niños quienes con maleta en mano se tienen que despedir se desconoce a donde tienen que ir o si simplemente son dos niños que se encuentran en un aeropuerto pero eso deja de tener importancia.
Lo importante es este momento mágico que los niños tienen y que los adultos dejamos de tener, y como inicia una competencia entre uno contra donde el saca una pluma y ella un globo los cuales al lanzarlos al aire estos caían lentamente por lo que inicia la competencia haber quien logra mantenerlo mas en el aire, al agotar este juego el reto se incrementa al sacar de las maletas mas globos y así empieza el juego, jugando con el elemento invitado a todo el espectáculo que es el AIRE, ya sean globos con helio o aire. Juegan con el público haciéndonos participe de poder lograr mantener un globo enorme flotando y no dejando que toque el suelo, todo para dar inicio al juego visual donde prendiendo una serie de ventiladores colocados en el piso en circulo, crean un flujo de aire, que hace posible que estos globos bailen por el aire, se utilizan también telas las cuales crean formas, lo que hace que sea sumamente mágico y que esa serie de movimientos no deja de sorprender, y todo empieza a mejorar cada vez se van sumando más elementos a esta danza aérea, como paraguas, terminando con brillos, globos, algo que pareciera nieve lo que me dio la imagen de estas bolas de cristal que al agitarlas flotan elementos brillantes o nieve, durante el espectáculo creado por estos dos actores circenses, clowns es realmente mágico y no deja uno de expresarse con un wuaww.
TEATRO JUÁREZ, hermoso teatro de 1900 con un estilo ecléctico en su interior y capacidad de 902 personas, estar en ese teatro es mágico con su estructura, decorados, sus faroles, su todo. En este teatro pude apreciar TEATRO DE MARIONETAS DE SALZBURGO Hansel y Gretel.
Antes de la función se realizo una charla introductoria dirigida a los niños quienes fueron sentados todos en las primeras series de butacas esto ya que el espectáculo era dirigido a ellos, donde nos cuenta que llevan ya 105 años y que lo que veremos es una ópera representada por marionetas y al mismo tiempo invita a los padres a que les pongan opera a sus hijos para que disfruten de este género musical y así es como da inicio a la obra. En el escenario había otro escenario, que es el teatrino, donde están las marionetas, da inicio la función y desde ese momento todo mágico, con una maquinaria y arquitectura que permite que escenario gire, es como ver una película.
El escenario gira y podemos ver el frente de la casa de Hansel y Gretel, y con forme va girando se puede ver la sala, recámara y finalmente lo que sería el comedor donde vemos a estos niños (títeres) platicando, la traducción de la ópera se puede leer en lo alto del escenario, la música, la voz de los personajes es clara durante la historia ya conocida, lo que aquí viene a ser sorprendente, no es la historia sino toda la maquinaria para poder construir estos espacios, el bosque, la casa de pan de jengibre, todos los elementos que aparecen como los panes de jengibre. Se vuelve tan mágico que por un momento te olvidas que lo que ves son marionetas.
Al final uno termina con un gran sabor de boca, se abre el telón del teatrino y se ven a los titiriteros quienes saludan permitiendo ver que son pocos los que manejan a los títeres sorprendiendo pues al haber varios elementos que se mueven uno pensaría que se requiere a más personas para ello.
TEATRO CERVANTES
Antes de ser Teatro fue Cine, es un teatro con una capacitad de 420 personas.
Aquí pude ver la obra Mikuni Yanaihara Project “Un día tranquilo” de Japón.
A telón abierto se logra ver toda un aserie de casas diminutas sobre el escenario y a proscenio un escritorio con dos sillas, dan tercera llamada y llegan dos personajes hombre y mujer con pijamas quienes tienen una discusión, este matrimonio está en su cotidianidad discutiendo por todo y por nada, antes de dormir, por lo que al dormir la iluminación cambia y se iluminan las casas en miniatura que están sobre el escenario, inician con toda la energía y muchos movimientos coreográficos, este hombre sumido en un sueño se enfrenta a su mayor temor, la soledad, luego aparece su mujer quien en el sueño dice no serlo y este lucha por no estar solo, por no perder con quien siempre esta.
Utilizan una la tecnología ya que por medio de proyecciones captadas de dos cámaras que se encuentran en dos trenes que recorren las casas por lo que en la pantalla se puede apreciar estas imágenes, lo que te transporta a otra perspectiva, la sensación de ser pequeño pero al mismo tiempo te da distancia por lo que te mantiene a distancia, y puedes ver un suceso pasado en Japón en el 2011 donde un temblor da muerte a cientos de personas en menos de 20 minutos, y nos hace reflexionar de la fragilidad de la humanidad y de cómo de un momento a otro podemos dejar de ser o en el peor de los casos quedarnos solos. La anergia utilizada por los actores es impresionante, todo el tiempo están en movimientos por momentos lentos pero en su mayoría son rápidos, dando la sensación de no quietud no tranquilidad, de mucho aceleramiento, de miedo a la quietud.
El siguiente trabajo visto aquí fue Danza
COMPAGNIE MICHÈLE NOIRET , Palimpseste Solo / Dùo
La obra que veríamos no pudo ser posible ya que por cuestiones personales no se pudo presentar y por ende no pudimos ver a la bailarina en vivo, pero en cambio se proyecto “Video Danza” lo que vendría siendo el origen de lo que íbamos a ver, por lo que tuvimos la primicia de ver lo que realmente es Video Danza y mas este trabajo que ha ganado premios en su categoría.
Un texto antiguo escrito sobre uno anterior, es la definición de un Palimpseste, y es esto precisamente lo que la coreógrafa y bailarina Michèle hizo, ya que lo que íbamos a ver era una coreografía hecha del video que vimos, que a su vez es producto de un trabajo hecho para un foro. Así que al ver el video danza que fue hecho para eso para ser grabado, uno logra entender lo que es este género, por medio de la pantalla uno puede sentir visualmente y auditivamente lo que se quiere decir, ya que hace suma atención enfocando con la cámara las partes que acentúan y aclaran para que uno pueda sentir, me recordó mucho al trabajo de Ingmar Bergman, ya que hace mucho énfasis en close up de partes del cuerpo. El video dura 20 minutos e inicia con la imagen de unos pies que dan pasos pequeños sin despegar las plantas de los pies descalzos del suelo, haciendo énfasis en el sonido que ello produce, al ir avanzando se aprecian piedras alrededor hasta topar con una y pareciera que los pies son personas que se cuestionan que hacer, si brincarla, rodearla o quedarse ahí, pero estos pies la rodean y siguen su camino, seguido de eso la imagen va subiendo y se detiene en sus manos las cuales hacen movimientos bruscos golpeando sus manos y dedos produciendo sonidos como de aleteos de aves, ella sigue avanzando y solo se escucha el arrastrar de los pies, pero como ya sabía que ese sonido era de los pies ya no era necesario que se volvieran a ver, y así sigue el video va sumando pequeños momentos de atención a partes del cuerpo y sus sonidos como queriendo que sepamos que esos sonidos significan esas partes del cuerpo. Al no haber texto todo queda en lo que uno entienda de la escena, para mí el ver a una mujer sola caminando tan “apretada” a paso lento y con esos movimientos de manos me dio a una mujer avanzando con miedo, y pensando en el contexto en el que se vive hoy en día donde hay tantos feminicidios, esa fue la sensación que me dio, de alguien preocupada temerosa en un lugar donde había media luz, su mirada perdida y en tono de alerta viendo para un lado y para otro. Pero esta mujer parece empezar a tomar fuerza, valor, su cuerpo apretado del inicio empieza a disiparse, ella empieza a moverse, y al mismo tiempo esto que al inicio parecía estar en blanco y negro empieza a tomar color, ahora puedo notar que su cabello es rubio y se mueve, lo que me dio la impresión de resaltar la feminidad, la luz empieza a disminuir y termina. La música de Tierkreis, de Karlheinz Stonckhausen acentúa toda esta sensación ya mencionada.
Seguida de la presentación del video, escuchamos en vivo “Signos Zodiacales” del mismo autor de la música del Video, con el objetivo de conocer más del autor de la música, la cual tiene mucha similitud a la del video.
TEATRO PRINCIPAL
TEATRO MLADISKINO, ¡Maldito sea el traidor a su patria! De Eslovenia
Sobre el escenario yacen varios actores tirados en el suelo cada uno con un instrumento en mano, una vez que se da tercera llamada inicia es canon instrumento por instrumento creando una armonía musical seguido de esto, cada uno de ellos en el orden que iniciaron tocando se van levantando y dejando al fondo de escenario sus instrumentos para luego salir de escenario, todo en tono fúnebre, como si se tratara de dar sepultura a alguien importante. Enseguida irrumpen por todo el escenario vestidos con ropas de trabajo, cómodos, como si se tratase de un día normal en una sesión de clases de teatro, donde inicia una cacería de brujas por decirlo así, contra aquel que es diferente, esto haciendo una crítica a la guerra ocurrida en Yugoslavia, la cual se dividió en 6 naciones independientes, provocando así el racismo y discriminación hacia aquel que no fuera de tu nación, por lo que aquel que se cree superior o con poder, terminan matando a balazos a todos lo que sean diferente a él.
Durante una escena los actores se van poniendo uno a uno en proscenio, alineados como en un fusilamiento, cada uno reacciona diferente al otro, uno llora otro se controla, otro tiene miedo, dignidad, pero todos ante lo que será su muerte; mientras se van despojando de sus ropas quedando unos semi desnudos y otros completamente desnudos para que al final uno de ellos llegue por detrás y de muerte a cada uno de ellos.
El montaje es sumamente fuerte en tono, y con el idioma es mucho más acentuada esta agresión, todo el tiempo hay una constante tensión ante la posibilidad de la muerte, escenifican momentos ocurridos durante todo este revuelo como las violaciones, agresiones, acosamientos, maltratos, etc. Después de esta escena viene secuencia a tono de pasarela donde cada uno posa sobre su piel desnuda la bandera de Yugoslavia, colocada de diferentes maneras a manera de una segunda piel, como diciendo que todos somos Yugoslavia, todos somos iguales, todos somos hermanos.
El director Oliver Frljic supo cómo hilar y escenificar una serie de improvisaciones de los actores, dando como resultado un trabajo bastante contundente con lo que sucedido en su entorno pero que en un paréntesis de la obra nos habla a nosotros los Mexicanos para hacernos ver como nosotros no estamos exentos de esto, y como vivimos lo mismo solo que nosotros somos más crueles, porque sin que exista una separación por parte del país, nosotros mismos nos sentimos más que nuestros vecinos de estados, criticando, humillando, ofendiendo, solo por ser de diferente color, o tener diferente forma de hablar, cuando todos somos Mexicanos y por ende hermanos, da muy duro al mal manejo del país y como nosotros no hacemos absolutamente nada, se logra crear la igualdad de historias entre lo que ellos viven con lo que nosotros vivimos, no exentándonos sino todo lo contrario, semejándonos a su problema, es muy claro el mensaje donde nosotros no hacemos nada, y ellos por lo menos están en plan de lucha.
Para terminar vuelven a como inicio, cada uno con su instrumento en el piso, como si esto se fuera a repetir infinitamente.
Segundo montaje
SCENE MESS, ¿Qué es Europa? Un ritual de guerra de Bosnia y Herzegovina
La obra inicia con un grupo de músicos, quienes tocan música metal y cantan en son de guerra, de desprecio, esta es el alma de toda la puesta, la música es la que lleva toda la trama y por medio de ella expresan el odio que llevan de ser tratados como Europeos de segunda. Cuando muere el líder Tito, se desencadena todo, en diferentes momentos mencionan su reacción al enterarse sobre su muerte, y como esto desencadena una guerra cultural, como lo dice el mismo título, ¿Qué es Europa? Un ritual de guerra, eso es lo que se ve en todo el montaje, con la muerte del líder, inicia el descontrol. El montaje es un canto de guerra, de hartazgo hacia cuestionarse quien soy, por eso la pregunta del título, por que inicia la necesidad de saber y tener una identidad, quien soy, de donde soy, un sentido de propiedad. Con escenas donde hay encapuchados cargando bolsas con frutas rojas que al golpearlas con la duela se empiezan a deshacer y al verterlo sobre su cuerpo este se cubre de un líquido rojo como símbolo de la sangre, del desgarro humano, ya que quienes lo hacen adoptan posturas de animales como perros sobre su presa, como estos se pelean entre ellos y después aparece una mujer con un vestido blanco pulcro, e imagen de ama, dueña de estos animales que los calma, los tranquiliza, los limpia y deja tranquilo, como si estos animales fuéramos nosotros mismo y necesitaremos de un amo que nos venga a consolar y tranquilizar, como si no fuera posible que nosotros mismo controláramos nuestros instintos. Para terminar vuelven con sus instrumentos cantan una canción que es como un canto de protesta, un manifiesto hacia la humanidad, sumamente fuerte, gritado, con frases repetidas como queriendo que sea claro lo que quieren. Y sin duda llega a crear la conciencia de nuestra misma situación que no estamos nada distantes a su protesta.
SEMBLANZA DEL RECINTO
Auditorio del Estado con capacidad de 1800 personas imponente edificio moderno el cual Cuenta con diferentes espacios: 12 camerinos dobles, sala de calentamiento, dos accesos principales en cada nivel y puertas laterales para facilitar el acceso a la sala, lobby de dos plantas que puede ser utilizado para exposiciones, cafetería, taquilla, guardarropa, pequeño auditorio y explanada. La capacidad de espectadores en el Auditorio es de 1,862 divididos de la siguiente manera: planta baja 1,142, planta alta 685, palcos (6) 36 y además de 130 espectadores en el pequeño Auditorio. Este impactante espacio fue elegido para presentar dos de los espectáculos que pude asistir.